Queridos súbditos, amigos de la corte y demás plusvalía social. Adoro ir al teatro. Tomar mi palco y ver desde mis impertinentes estas nuevas dramaturgias gestadas en nuestro territorio.

Antes de entrar al tema debo afirmar que cuando era muy pequeña, mi nana me contaba muchas historias, muchas de ellas antes de dormir. Esas narraciones eran intensas, prolíficas, casi como ver una obra llena de acciones con actores, aunque todo ocurría en tu cabeza.

Con esto debo decir,  durante los últimos años he acudido al teatro y he tenido que revisar mi boleto para ver si había entrado a una obra o a una sesión del cuentacuentos Iván Martínez desdoblado en muchos personajes.

 La narraturgia, señores. La narraturgia, tonta reina poco ilustrada. Ahhhh. Y ahí tienes esa obra poderosa llamada El cielo en la piel de Edgar Chías o los graciosísimos/ enternecedores textos de Alejandro Ricaño, por usar los nombres más conocidos. Y entonces dije, vaya, qué novedad, qué vitalidad, qué gracia, qué ingenio.

Hoy, queridos amigos, desde mi palacio y tomándome este té, puedo decir que la narraturgia, esa vanguardia revolucionaria del teatro contemporáneo mexicano, ha comenzado a aplanar, en todos los sentidos, la creación para la escena en nuestro país.

En el último año he sido testigo de obras donde los actores parecen recitar de memoria su texto en lugar de encarnarlo; y si lo hacen, resulta un patrón repetitivo que, como las células con sus telómeros, se desgasta y termina por morir.

 Los dramaturgos, liberados del odioso realismo y la convención irritante de los géneros, descubren que son poetas y narradores los cuales, a diferencia de mi nana, no tienen ningún sentido dramático, y si lo tienen, es para ser chistosos, usar lugares comunes o simplemente mostrar su uso poderoso de “las imágenes poéticas”.

Quizá los únicos que se salven un poco de esa planicie sean los directores, en su esfuerzo por hacer lúdico un texto de entrada fabricado  como una lectura en voz alta en clases de Español.
Sin embargo, resistí, pero hubo dos gotas que derramaron la copa de mi vino: La Bala de Sergio López Vigueras y el festival de la Joven Dramaturgia en Querétaro.

La primera obra, ganadora del premio de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo 2017, posee la virtud de tener un título que resume el objeto que todos quisiéramos tener enterrado en nuestras sienes tras acudir a su montaje. Si bien los tres actores despliegan todos sus recursos para dar una buena función, el texto y la dirección los anclan a una experiencia insustancial y bastante pretenciosa.

De entrada, un asalto en el transporte público. Dejando de lado el tratamiento de porno miseria realizado por el autor (término robado a cierto cine mexicano que pondera la pobreza, la justicia y la violencia como mexican curious para ciertas clases acomodadas), la obra nos sitúa en una situación límite que se antoja interesante por su distensión en cuanto a proyectar “el tren de pensamiento” en un momento que quizá podría durar diez minutos. Sin embargo, el cliché de los personajes, y hasta del mismo acontecimiento, orilla a tragarnos elaboradas líneas como “la luz otoñal se refleja en la bala que recorre…”.

Si a eso le sumamos lo sumamente sobrexpositivo al poner a los personajes contar lo que hacen mientras los actores lo hacen, el tedio abruma y llega al grado de que nos interese más el potente diseño sonoro de la escenificación.
Segunda gota.

El festival realizado en Querétaro es uno de los más importantes de proyección e impulso a jóvenes dramaturgos en México. Este año, parece haber oficializado el canon que da aplauso y palmada en la espalda a los escritores teatrales y es, copiar sin pudor una “forma – estilo” que apareció hace más de una década como una ruptura a la forma dramática “realista”.

Todas y cada una de las obras presentadas en la muestra festivalera, incluyendo los textos ganadores del premio de Dramaturgia Manuel Herrera 2018 y el Vicente Leñero 2017, La piedad del asfalto de Eurídice Coronado y La gota y el mar de Estefanía Ahumada, alimentaron dicha “corriente”.

Algunas otras como 1DMX, Ojalá esto no fuera un simulacro o N.N.N Sin título, eran buenas ideas con una dosis de falta de rigor y obviedad ideológica que estoy segura quedarán bien cimentadas con sesiones continuas de tallereos.

En ese mismo festival, el famoso dramaturgo Mauricio Kartun

Dijo

“Lo que están haciendo algunos en la narraturgia es que generan un lago de acopio creativo o metafórico, donde el agua se expande, se expande, pero no corre, sólo se va llenando y se queda así, hasta que se naturalizan los errores”.

Luego entonces, ¿estamos hasta la corona de las obras de narraturgia? Yo creo que depende como se use, quien lo dirija y hasta quién lo escriba.

Nada adaptación realizada por Bárbara Perrín de la novela homónima de Janne Teller o Wences y Lala de Adrián Vázquez, muestran una vitalidad que rodea al espectador y lo hace debido a lo siguiente: la primera rompe constantemente con el recurso y la plasticidad de las voces generan una red que te impide no ser parte de ella; la segunda, coloca una convención del “narrar” al otro, casi como una plática de sobremesa de dos personajes que te avisan “estamos muertos”.

Narrar por narrar, genera una lista de recuerdos, enunciación de acciones y sentimientos que recuerda al peor cine con voz en off que te cuenta lo que está uno viendo o peor, hace explícita emoción.

La narraturgia está influyendo de la misma forma que Béla Tarr y Carlos Reygadas influenciaron al cine mexicano de la última década con los resultados pedantes, aburridos y a veces hasta risibles del “cine contemplativo”. Con el agravante de un distanciamiento todavía más pronunciado entre el cine nacional y su público, cosa que la industria fílmica, y mucho menos el teatro mexicano, se pueden dar lujo de provocar.

Considero, y hay que estar conscientes de ellos, que si Chías, Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, Alejandro Ricaño, Angélica Lidell, Arístides Vargas, Roland Schimmelpfenning, Jaime Chabaud, lograron llegar a hacer obras magníficas, bajo una técnica que ellos consideraron de ruptura y novedosa, fue porque reunieron conocimientos y “cayo” dramático para desarrollarla de forma exitosa. Como dirían mis sirvientes, “si quieres bailar quebradita sin calentar, toda la patita te vas a quebrar”.

Y miren. hasta en los talleres de uno de los dramaturgos y directores representativos del posdrama mexicano, Alberto Villarreal, se plantea de inicio conocer el canon narrativo y dramático clásico de pe a pa para poder, después, romper con ello y generar un nuevo lenguaje o revolucionar imágenes ya dadas.

Yo me atrevería a agregar que el riesgo actual de uniformar y validar esta forma de creación, deshabilita la posibilidad de una forma que dé identidad a los nuevos autores, invisibiliza la variedad de formas y técnicas por las que supuestamente tanto pelea esta generación.

En su momento el realismo fue una vanguardia. Si un joven hace realismo, farsa,, cabaret, clown o posdrama, con una voz propia fuera de la narraturgia,¿no será tomado en cuenta para montajes o premios?

Respaldo lo dicho por Ricardo Ruiz Lezama en su texto “En defensa de la narraturgia” escrito para Aplaudir de pie: la narraturgia es teatro. Sí, cuando es consciente del recurso, de la forma y no permite jactarse de la carencia o bautiza sobradamente obras que parecen estar en working progress.

En ese mismo texto, Ruiz Lezama argumenta:  la “narraturgia” es una forma “joven” y no necesariamente dramática. Me pregunto si el joven ha entendido bien el estilo que tanto defiende. Es más, me llego a cuestionar si leyó el texto publicado por José Sanchis Sinisterra sobre dicho concepto, al cual cataloga de “lapsus”. Hasta me atrevería a cuestionar cuál es la noción que tienen él y los dramaturgos jóvenes (¿que no hacen drama?) sobre el “Drama”.

En una clase sobre el Ensayo, la investigadora y escritora Liliana Weinberg señaló que actualmente se vive una “ensayización” del arte contemporáneo, con lo cual, de alguna forma, se banaliza el ensayo, el cual por su forma y búsqueda no tiene “reglas” asimiladas como otros géneros de siglos explorados. En la misma clase, hablando sobre el prólogo de los Ensayos de Montaigne, dijo lo siguiente sobre los autores antítesis del escritor francés, y que me parece muy sintomático de lo que le ocurre al teatro mexicano, “Escriben para su propia gloria. Por ello se repiten a sí mismos”.
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Más allá de llamar a esto la “corriente narraturgista”, yo la llamaría “la corriente pastichista”, y si no, vean Bye Bye Bird de José Manuel Hidalgo y piensen a quién les recuerda.

Córtenles la cabeza:
La fiebre de las series biográficas no para. Ya tuvimos a Juanga, Paquita, Luismi, José José, Lupita Dalessio… Ahora es la oportunidad de los poetas contemporáneos mexicanos radicados en Ciudad de México”. Si usted es fan de Ashauri López y sus pujidos, digo poemas, no puede perderse la serie web “Los fotocopiadores”. Serie autogestionada por poetas, sobre poetas, actuada por poetas, para poetas. Esperen ansiosos su estreno y busquen el tráiler de esta comedia se ve muy bonito, gente guapa, conflictos existenciales, crisis creativas, relaciones tormentosas, poemas. Porque obviamente sus vidas son sumamente interesantes … Espero ya estén grabando la segunda temporada con Juan Villoro y Charly Girón como protagonistas. 

Hace 2 años, en el trigésimo aniversario del terremoto de 1985, relaté la manera infantil en que mi mente procesó los eventos que viví y cómo estos cambiaron mi vida para siempre. (http://www.plotpoint.mx/corte-a/el-temblor-se-niega-a-pasar) En aquel momento, el niño pensó que no había despertado cuando la tierra se movió. El adulto que escribe 32 años después sigue en un letargo, en una visión, donde el momento que ha temido a partir de aquel lejano 1985 se hizo realidad en una perversa coincidencia: otro 19 de septiembre.

“Toma el dinero y huye”. Parece diálogo de una película de gángsters, pero es en realidad uno de los consejos más importantes que he recibido en mi vida guionística. Un poco de contexto primero: Soy guionista, pero muchas veces no se me paga para contar mis historias, sino para ayudar a contar las de otros.
 
¿Por qué? Porque escribir las historias que uno quiere contar suele ser a costa de ganar dinero por ello. Es algo básico de la vida guionística.

​Hace un tiempo comencé a laborar como Data Manager, uno de los puestos mas respetado en el set –sarcasmo-. En mi primer día me esmeré para que todos supieran que yo era más que la “data”. En cada conversación agregaba que era guionista, como si al decirlo en voz alta me convenciera de que sólo estaba de paso pero la verdad era que tenía, o mejor dicho, tengo una “doble identidad” y debo aceptarlo. Soy como Superman, de día reportero y de noche superhéroe alienígena; o como Peter Parker, fotógrafo y, cuando el deber llama, el Hombre Araña.  Como muchos escritores o artistas en el mundo, tengo un “day job”.  

En la primera secuencia de Trainspotting 2, Renton corre una vez más. Pero en esta ocasión no huye de la policía. Mueve sus piernas sin llegar a ningún lado, sin ningún propósito aparente. ¿Qué sentido tiene recorrer la infinita banda de ejercicio en un gimnasio? ¿Salud? Renton colapsa y cae de la cinta afectado por un problema cardíaco. Dos décadas han pasado desde la primera parte de esta historia y Renton ronda ahora los 40 años de edad, como muchos de los que nos identificamos con el primer Trainspotting, el día de su estreno.
 
Hace 20 años, me sentía nervioso, formado en la fila para ingresar al cine y ver La vida en el abismo. Me acompañaban dos amigos, el hermano menor de uno de ellos y mi propio hermano (también menor). Todos sin identificación. Mis amigos y yo rozando la mayoría de edad pasamos confiados a la sala.

Súbditos amados y miembros de la corte,

Les escribo estas bellas líneas dignas de la poesía metafísica para contarles el terrible sentimiento de melancolía que me embarga desde hace mucho tiempo.

Y es que sin duda es terrible comprobar que el pasado fue mejor, mis amados. Yo no viví en el pasado y para las clases privilegiadas casi siempre el pasado es su sueño predilecto, pero no me pondré a hablar de clases…

El punto es que recordé aquellas suntuosas monarquías europeas del siglo XVIII, esas que pusieron la cultura como asunto de Estado, como prioridad del reino. Catalina de Rusia y José de Austria vieron florecer las artes dentro de sus dominios como una forma misma del carácter nacional. “El despotismo ilustrado” le llamaban.

Guarda este texto para cuando hayas escrito tu historia. Escribe sin preocuparte demasiado por lo que se dice aquí o en cualquier otro texto impreso o digital que hable sobre la construcción de personajes, o sobre cualquier otro tema referente a la escritura de guiones. Sigue tus intuiciones y escribe. Por experiencia propia puedo decirte que no hay mejor escuela que la práctica. Regresa aquí cuando tengas una o más historias escritas y sientas que hay algo que no funciona del todo con esos seres que habitan tus ficciones.

Hay muchas cosas escritas sobre teoría de personajes, la manera de analizarlos y de crearlos. Aquí nos vamos a saltar muchos pasos y consejos que suelen sugerirse. Las siguientes notas son un breve condensado de ideas que me han llegado de textos, talleres, cursos y del oficio mismo de escribir.

La sala de cualquier museo de historia natural es una mirada hacia el pasado olvidado, al momento en el que la ausencia de la civilización nos convertía en “salvajes”. En los años 60, los Picapiedra, producidos por Hanna-Barbera, comenzaron a transmitirse como una parodia de la familia suburbana estadounidense de la posguerra. Es uno de los programas televisivos más exitosos y repetidos de la historia, y, con los años, tuvo que ceder su lugar a una nueva familia irreverente: los Simpsons.
 
En 2016, DC Comics tomó varios personajes de Hanna-Barbera y actualizó sus historias dándoles un giro diferente. Así, The Flintstones, escrito por Mark Russell e ilustrado por Steve Pugh, se convierte en una de las series más críticas e interesantes de la casa editorial estadounidense.

¿De dónde viene todo lo que escribo? ¿Del pozo de las historias y de las ideas? Alguna vez leímos algo así en clase. Pero, si nos ponemos estrictos, no es un pozo muy original. Hitchcock decía: “Vale más partir del cliché que llegar a él”. Esa frase me consoló cuando un muy buen amigo guionista me dijo que una escena de un largometraje que escribía en ese entonces le recordaba a Juego de Gemelas.  La revisé, no era igual pero ciertamente se parecía, había una fuerte inspiración: niñas, perforaciones… Y a eso se le agregaba una pizca de Mean Girls.  Descubrí que ¡Linsday Lohan vive en mi insconsciente! Era de esperarse, vi Juego de Gemelas al menos unas 50 veces, mi hermana fue testigo. Todos de niños tuvimos una obsesión fílmica; lo más probable es que tenga que ver con Disney y que ahora viva en nuestro inconsciente, saliendo cada que puede en las escenas de nuestros guiones.